1995년 개인전 평론

영과 필획의 교감

-안준희의 작품전에-

                                               

서성록 (미술평론가)

안준희가 93년의 작품전에 이어 통산 다섯 번째 작품전을 갖는다. 첫 전시를 83년 아랍미술관에서 가진 이래 작가는 일관되게 추상회화에만 전념, 자신의 작업을 심화시켜 오고 있는 중이다.

 오랜 시간이 지난 만큼 변화가 없을 리 없다.  80년대와 달라진 점이 있다면, 서정추상 흐름에서 서체회화로의 이행을 지적할 수 있을 정도인데 여전히 붓놀림을 강조한다든지 작위적 행위를 가급적 피하고 있음은 예나 지금이나 마찬가지이다. 그의 그림을 보는 사람이라면, 호쾌한 필선과 정돈된 색 그리고 대담한 화면 구성을 직감할 수 있으리라 본다. 이와 함께 불타는 열정과 잔잔한 사색을 번갈아 교차시키면서 보는 이에게 강렬한 인상을 심어준다.

 안준희가 자신의 작업에 주된 어휘로 삼고 있는 것은 선과 면이다. 어떤 면에서는 선과 면이 그의 회화에 결정적인 역할을 하고 있다고 할 수 있다. 물론 두요소만 있는 것은 아니다. 그의 그림에는 순색 또는 중간색도 빠짐없이 들어간다. 색중의 색, 즉 모색(母色)이라고 불리는 현색도 그가 즐겨 사용하는 색중의 하나다.  하지만 그러한 색은 어떤 연상을 일으키거나 감성을 환기하기보다는 무리를 지어 색 면을 이루거나 설사 색 면을 이루지 않더라도 독자적으로 서식하면서 화면을 한층 기품 있게 꾸며준다.  그러므로 우리의 시선은 주춧돌 역할을 해주고 있는 면에 집중되게 마련이다.

 안준희는 선과 색 면을 적절하게 요리하고 안배할 줄 아는 작가라고 생각된다. 두 요소는 화면에서 끊을 래야 끊을 수 없는 없는 밀접한 사이로 자리 잡을 뿐만 아니라 속도와 세기, 그리고 속성 면에서 상호보완을 이루어 화면 자체를 하나의 완전한 형성물로 이상화시켜간다.

 그가 구사하는 선은 주도면밀한 기하학처럼 계산되어 나온 것은 아니다.  임의적 자태를 취하고 있거니와 그 발생에 있어서도 자유로운 운필에 의한 것이다.  어쩌면 송가는 대로 또는 붓 가는 대로 화면에 내맡긴 상태에서 즉흥적으로 태어난 것으로 보아도 무방할 것이다.  일체의 의식 활동이 배제된 자유로움과 해방감이 거기에 깃들어 있는 듯하다.  붓을 먹에 푹 담아 모필 전체에 흔건히 배인 먹물을 캔버스에 마구 뿌려놓은 듯한 인상이다. 힘찬 것이 있는가 하면 약한 것이 있고 빠른 것이 있는가 하면 느린 것이 있다. 또 굵은 것이 있는가 하면 얇은 것,  곧은 것과 휘어진 것도 볼 수 있는데 형호(荊浩)가 말한 근육골기의 4세( 四勢)가 모두 포함되어 있다.  그러한 용필을 통하여 충천한 생명감을 표출하고 작가의 들숨과 날숨을 부지런히 실어 나른다.

 그에게 선은 그 자체가 자율적 개체로서 존재한다. 다시 말해 어느 누구에게 봉사하지 않는다는 애기다.  ‘단음조’에 비유할 수 있는 필획은 일개 물리적 행위에 불과하나, 그 물리적 행위가 아무런 동기 없이 꾀해지는 것은 아니다.  그때그때의 감정, 정서, 기분에 따라 붓놀림이 달라지 게 되며 결국 그 기분상태가 선의 표정을 좌우하게 되는 것이다.

 그의 그림에 있어 또 한 가지 지나칠 수 없는 부분이 있다. 그것이 곧 색 면이다.  필획이 지나간 자리의 대부분, 그리고 아직 정복되지 않은 공간으로 남아 있는 색 면은 난필(亂筆)의 선과 견주어 대조를 이룬다.  허(虛)의 공간, 즉 텅 ‘비워진 자리’로서 현존한다.  차라리 영원히 비워진 채로 남아 있기를 원하는 것 같은 표정을 짓고 있다.  말을 바꾸자면, 필선을 아우르고 보듬어 주는 동시에 그 색 면을 보는 사람을 아득한 명상의 세계, 즉 무의 세계로 인도한다.  흡사 힘 든 일과로 찌든 육체의 피로를 말끔히 씻어 주기라도 할 것처럼, 아늑함과 포근함마저 느끼게 한다. 이런 맥락에서 그 비워진 자리는 ‘색 면’이 아니라 ‘여백’이라는 표현이 더 어울리지 않나 싶다.

 언젠가 안준희는 자신의 작품을 ‘영과 필획의 진정한 교감‘이라고 부른 적이 있다. 몇 안되는 조형어휘로 화면을 구성하고 있지만, 작가는 그 자체에 의미를 부여하는 데에 머물지 않고 심원한 것, 즉 자아의 심적 상태와 부단한 시도의 일환으로 얽히며, 그 속에서 우리는 작가의 심적 상태가 화면이라는 물질공간과 어울려 동질화 또는 일체화되는 과정을 바라보게 된다.

1984년 11월 1일(목)~7일(수) 현산미술관

2회 안준희 작품전 

生의 원천적 흐름 위에 선 繪畫

                             

장 석 원( 전남대교수, 미술평론가)

안준희의 그림은 自然人의 視角을 뒤흔드는 작업이다. 형식을 탈피하여 또 하나의 새로운 형식에 이르는 자유로움이 눈앞에 보인다.  시각적 제한을 받는 조형성을 탈피하여 눈에 보이지 않는 生의 원천적 흐름에 가까워지려는 그의 노력은 繪畫 자체의 기원에 대한 發生論的인 해석을 가하고 있다는 생각이 든다.

 사실 그의 그림은 무엇을 그리고 있다기 보다는 그의 내부에 잠재된 충동을 빌미로 생의 원초적 비밀을 토로하고 있다는 인상이다. 生의 내부에 잠재된 기민하고 뜨거운 용액이 방류되어 흐를 듯한 활력을 보여준다.

 나로서는 그가 자주 얘기하는 禪的 경험이라든지, 카오스의(chaos)에의 심취, 세련된 본능이라는 말들을 지나가는 얘기로 흘려버릴 수 없었다.  그의 그림은 순간순간의 필획이주는 표현력과 뉴앙스에 全身的인 주의를 쏟고 있는 것이었기 때문이다.  그야말로 일회적인 표현력과 순간성이 보는 이의 시선을 압도하고 만다.

 그의 그림이 지니고 있는 개방적 성격은 열려진 마음의 열려가는 자취를 남긴다.  나로서는 그의 열려지는 형식이 그 정신적 체험이 깊어질수록 더욱 단순하고 보편적인 결정체를 낳으리라는 생각을 해보지만, 일단 그의 작품이 제시하는 유형은 날짐승이 창공을 날면서 활짝 제치고 있는 날개 짓처럼 활달하고 자유로운 형태로 와 닿는다.

 일단 어법적으로 맞아 들어오는 것이, 필획을 사용하여 필획으로 그치는 것 같지만 그 이면에는 필획이 생의 체험 형식으로 융합하는 心地의 아이텐티티(identity)를 지니고 있다.

禪的인 경험이라는 것도 고도로 발달된 직관적 느낌이 아닌가 싶다. 그래서 그 禪的인 

교감을 감이 바라는 나의 언어들은 촉발적인 순발력을 요구함으로서 붓과 정신이 혼연일체 되어 내재된 생명력을 표현하기 위한 것으로 화한다.  한 획 한 획의 무게와 색채, 조형성 등 은 무의식 속에 이루어지기를 바란다.

이상의 작가의 말은 순간순간의 촉발적인 필획의 힘을 주시하며 그 의미를 요해코저 하는 태도를 담고 이다.  다시 말해서 생자체가 가진 비논리적 現前性 앞에 유기적이고 찰라적인 모습의 원천적 힘을  털어 놓으려는 것이다.  그 순간에 직관이 서려 있다. 직관을 직감하는 순간성과 영원이 교차하는 계기가 있다.

 흔히들 안준희의 그림을 두고 추상표현주의 스타일이 아니냐고 한다.  그것은 꼭 그렇게만 생각할 일이 아니다.   그림이란 그 양식적 한계를 넘는 수가 있으며 그의 그림은 추상표현주의적 어법 위로 심적 표현력의 범위를 한껏 넓히려고 하고 있다.  자신의 삶 속에 본질적으로 부딪쳐 오는, 흐름 자체의 무반성적이고 비 관념적인 속성이 그로 하여금 꾸준히 作畵衝動을 일으킨다.

 生의 원초적 상태가 그러했을 것처럼 혼돈상태의 그것을 그의 말마따나 세련된 본능으로 바꾸는 데에는 그림을 보다 스스로에게 밀착되도록 轉化시키는 힘이 필요하다. 여기서 구체적인 언어가 탄생한다.  이 언어는 더욱 절실하고 간결한 보편성을 띄게 될 것이다.  여기에 안준희가 가고자하는 회화의 길이 있다고 생각한다.